Entrevista com Sandeep Narayan: ‘Quero que meu show seja o mais genuíno e real possível’

O vocalista clássico carnático Sandeep Narayan acredita em valores contemporâneos, mesmo enquanto pratica o que é considerado uma arte conservadora. Curioso para saber quem foi o músico-estrela que o treinou e moldou suas perspectivas na arte e na vida? Leia esta conversa envolvente.

O vocalista clássico carnatic Sandeep Narayan se apresenta em um concerto. (Foto expressa: Ramanathan Iyer)

Tirar uma criança da escola nos Estados Unidos em seus anos de formação e mandá-la para Chennai para aprender a música carnática era uma ideia pouco ortodoxa nos anos 1990. Ninguém havia feito isso antes, mas os Narayans em Los Angeles eram tão amantes da música carnática que achavam que seu filho talentoso não devia perder a vantagem que as crianças de sua idade desfrutavam em Chennai.

O filho deles tinha apenas 11 anos e uma inclinação natural para a música, porque tudo o que ele ouvia em casa desde a infância era música carnática. Ele vinha aprendendo música carnática desde os quatro anos de idade com sua mãe Shubha Narayan, que também tinha um conhecido pedigree musical. Mas como o menino se tornou muito brincalhão, seus pais pensaram que ele deveria aprender formalmente com um guru diferente. Eles perguntaram ao maestro da flauta N Ramani, que estava ensinando flauta ao irmão mais velho de Sandeep, se ele poderia ajudar. Ramani, depois de pensar muito, sugeriu que o menino viesse à Índia e aprendesse com Calcutá KS Krishnamurthi, um musicólogo famoso e um professor muito requisitado de músicos experientes.

Para Krishnamurti, o pedido foi um pouco incomum porque ele não ensinou nenhum NRIs, muito menos uma criança, exceto provavelmente aqueles de famílias que haviam se mudado permanentemente para a Índia. Ele tentou por causa de Ramani, ficou impressionado com o treinamento e a perspicácia do garoto e permitiu que ele aprendesse com ele.

O menino ficou na Índia por cerca de 18 meses com sua mãe e passou por um treinamento bastante rigoroso com Krishnamurti, repleto de aulas, concertos e prática implacável. Quando voltou para os Estados Unidos, tinha uma base sólida, uma afinidade muito mais forte com a música clássica e um desejo profundo de se tornar grande na música carnática. Ele continuou a treinar com Krishnamurthi através de suas gravações e aulas diretas em Chennai durante as férias de verão e inverno.

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Infelizmente para o menino, Krishnamurti morreu em três anos e não ficou sem nenhum professor do mesmo calibre. Mas, desta vez, a família não precisou procurar outro guru, porque o menino, agora na adolescência, já tinha posto os olhos em um novo guru, que já era uma estrela por seus próprios méritos e um discípulo sênior de Krishnamurti . O menino, ainda radicado nos Estados Unidos e fazendo viagens semestrais à Índia, aprendeu com seu novo guru pelos próximos 15 anos, e agora é um dos poucos músicos carnáticos contemporâneos que absorveu um estilo exclusivo de seu próprio guru. O treinamento com o novo guru foi uma mudança de vida e o menino mudou permanentemente para Chennai em 2006 após terminar seus estudos de graduação. Ele é agora uma das maiores estrelas da geração mais jovem de músicos carnatic e o primeiro garoto indo-americano a fazer carreira na música carnatic na Índia.

Esta é a história de Sandeep Narayan, o cara legal da música carnática que é conhecido por um estilo rico em classicismo, expressões e improvisação. Ele é um cantor do horário nobre em Sabhas de Chennai, incluindo a Madras Music Academy, e é um artista clássico muito procurado em outras cidades indianas também. Ele também é um dos músicos clássicos da geração mais jovem, que é capaz de levar a arte para a nova geração e para o público cruzado.

Sandeep, dotado de uma voz atraente que é flexível e capaz de se mover sem esforço através das oitavas e conhecido por seu estilo profundamente expressivo, é um artista encantador que atrai conhecedores de música clássica de todas as idades, tanto em Chennai como em outros lugares. Ele é bastante adepto de todos os aspectos do canto clássico e seu estilo é rico em gamakas bem esculpidas, brigas e sons musicais atraentes que tornam a música carnática atraente até mesmo para os leigos. O laya inerente ao seu canto, tanto em velocidade lenta como em alta velocidade, confere certa clareza, equilíbrio e um andar agradável à sua música. Suas técnicas clássicas bem afiadas e exposição informada a outras formas de música e artes tornam suas improvisações charmosas e convincentes, seja no canto de raga, neraval (improvisação de cantar um refrão da composição principal), kalpanaswaras (na qual o cantor se envolve uma apresentação imaginativa das notas da raga) e, mais importante, a Raga Tanam Pallavi (RTP), que marca a versatilidade técnica e criativa de um cantor carnático.

Sandeep recebeu muitas homenagens regionais e nacionais. Ele foi o melhor artista de concerto na Academia de Música e recebeu muitos títulos, como o Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar do Sangeet Natak Akademi no ano passado.

fonte de neve cereja chorando anão

O que o torna um pouco único é também o fato de ele não ser um cantor carnático conservador à moda antiga. Provavelmente, você pode chamá-lo de conservador contemporâneo, o que significa que ele acredita em valores contemporâneos mesmo enquanto pratica o que é considerado uma arte conservadora. E músicos como ele, demonstram que mesmo uma arte milenar como a música carnática pode ser bastante contemporânea e voltada para o futuro.

Curioso para saber quem foi o músico-estrela que o treinou e moldou suas perspectivas na arte e na vida? Leia esta conversa envolvente.

Sandeep Narayan recebe SNA Yuva Puraskar do governador de Manipur Najma Heptullah em 2019.

Deixe-me começar desde o início. Você foi um pioneiro como o primeiro garoto indo-americano que escolheu seguir a carreira de Carnatic na Índia. Como isso aconteceu e o que você sente quando olha para trás? Você teve que se submeter a muitos ajustes de estilo de vida?

Naquela época, eu provavelmente não sabia o que fazer e foi uma espécie de experimento que acabou dando certo. Eu certamente sabia que queria estar na música Carnatic e isso só poderia ser feito em Chennai. Em termos de adaptação do estilo de vida, não tive problemas porque a música era mais importante do que qualquer outra coisa: aprender música, ir a shows e, eventualmente, me apresentar. Esses eram os objetivos. Na verdade, não concordo com as pessoas quando dizem que o padrão de vida é menor aqui, porque depende do que você está procurando e quais são os seus valores. Posso argumentar que o padrão de vida é realmente melhor aqui. Você consegue muitas coisas que tornam sua vida mais feliz aqui, com mais facilidade. Por exemplo, se eu quiser uma xícara de chai, não preciso dirigir até o Starbucks, posso andar alguns metros até qualquer kadai (loja) de chá! Eu também tenho amigos maravilhosos aqui. Francamente, estou muito feliz.

Foi fácil se ajustar com um guru indiano em um sistema de música que parece bastante conservador até hoje?

Meu primeiro guru em Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), não era muito ortodoxo e nos dávamos muito bem. Era engraçado que houvesse um garoto de 11 anos com um sotaque americano muito forte que queria aprender música com um vidwan sênior. Ele estava um pouco cético, mas depois de me ouvir cantar, ele ficou feliz. Depois de nossa primeira aula, ele me disse que iria começar a me ensinar em um nível superior porque achava que eu era mais capaz do que as crianças da minha idade. Algo definitivamente clicou entre nós.

Você tinha vindo para a Índia desde 1996 para aprender com Calcutá Krishnamurti e com sua morte, você mudou para outro guru e aprendeu com ele por um longo tempo até se tornar bastante independente. Você pode descrever sua evolução como músico em Chennai?

KSK Mama me encorajou a explorar o manodharma bem cedo. Até aquele ponto, eu tinha feito muito pouca música improvisada como alapana, neraval, swaras etc. Ele também me ensinou muitos ragas novos e deu uma direção e profundidade diferentes para minha busca musical.

Em 1999, quando ele faleceu, tive que aprender com outra pessoa e a única pessoa que eu tinha em mente era Sanjay Subrahmanyan. Eu o conhecia antes mesmo de ir para o KSK Mama porque nossa família o conheceu durante sua turnê de shows nos Estados Unidos em 1995. Mesmo quando criança, eu era um grande fã dele e o seguia religiosamente desde 1996-97. Sempre que eu estava em Chennai, costumava ir aos shows dele e sentar na primeira fila. Ele também estava aprendendo com KSK Mama junto com outros artistas conhecidos, como Sudha Raghunathan e P Unnikrishnan, entre outros. Fiquei realmente impressionado e também achei legal estar aprendendo com o mesmo guru com quem Sanjay Subrahmanyan também estava aprendendo.

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Então, quando meu guru não existia mais, perguntei a Sanjay se ele poderia me ensinar. Eu estava absolutamente certo da minha escolha, mas ele estava um pouco hesitante porque pensou depois de aprender com KSK Mama, que era muito mais velha e muito mais velha, que eu deveria continuar com alguém daquela geração. Mas para mim, Sanjay foi o ajuste perfeito. Eu me dava muito bem com ele e meus pais também gostaram disso.

Comigo e Sanjay, era um acéfalo. Costumávamos falar sobre esportes, filmes, outros estilos de música, etc.

Você ainda aprende com ele?

Eu costumava aprender com ele regularmente até cerca de 2014-15. Gradualmente, as aulas tornaram-se menos frequentes devido ao aumento das minhas viagens e à sua agenda de viagens já ocupada. Ele também queria que eu aprendesse e expandisse por conta própria. Eu sou mais independente agora com meu aprendizado, mas eu o consulto com qualquer dúvida sobre música que eu tenho de vez em quando. Por exemplo, dois anos atrás, eu mandei uma mensagem para ele se pudesse aprender algumas músicas e ele obedeceu imediatamente. Ainda hoje, se tenho algo a esclarecer na música, procuro ele.

Como você sabe, as pessoas encontram muita influência de Sanjay em sua música, incluindo alguns gestos, maneirismos sonoros, sangathis etc.

Sim, eu sei (risos). Mas aqueles que seguem a música de Sanjay e minha também notaram como e quando eu me desviei do estilo de Sanjay Sir. Quem me escuta de passagem e sabe que sou seu aluno, certamente fará essa associação e comentará quaisquer semelhanças, reais ou percebidas.

A outra influência também é sua abordagem do concerto em si. Ele tem um certo nível de profissionalismo e isso também afetou a minha vida, pelo que sou muito grato a ele. Ele respeita outros artistas, organizações e o público. Ele me disse: nunca pense que o público é estúpido. Nunca os considere como garantidos. Isso é uma coisa que sempre lembro e tento manter em meus shows. Seu nível de foco e seriedade é inspirador: ele é dono daquele salão, de todo o espaço, quando está em um show.

É melhor chamar o vocalista Sandeep Narayan de conservador contemporâneo, o que significa que ele acredita em valores contemporâneos, mesmo enquanto pratica o que é considerado uma arte conservadora. (Foto expressa: Rajappane Raju)

O estilo de Sanjay é muito sobre inovação. Você é inovador no palco?

Posso ir a um show pensando que irei cantar algo, em particular, naquele dia, mas nem sempre funciona assim. Em vez disso, algo mais pode acontecer. Veja, há muita música na sua cabeça enquanto você se senta no palco do show por causa da sua escuta e aprendizado constantes - do popular ao clássico - e de repente algo surge na sua cabeça. Quando essas coisas acontecem, gosto de explorar isso. Isso é certamente uma coisa que aprendi com meus gurus e outros artistas. Se algo vier na sua cabeça, explore isso. Não diga não. Veja o que você pode fazer com isso dentro dos limites de nossa estrutura para que não se torne outra coisa. O concerto Carnatic não é um concerto de música para filmes, nem é um concerto de fusão, mas dentro do seu enquadramento, ainda existe a possibilidade de criatividade. É assim que eu gosto de abordar isso.

Você era conhecido por praticar incansavelmente por horas em seus primeiros anos. Agora que você está ocupado com shows e turnês, como você lida com isso?

Durante minha recente turnê pelos Estados Unidos, muitas crianças me perguntaram o quanto alguém deveria praticar para atingir um certo nível. Minha resposta para isso foi que não há fórmula. Nunca houve uma fórmula para mim. E é definitivamente uma questão de qualidade em vez de quantidade. Você precisa apenas continuar trabalhando duro e ter a confiança de que as coisas vão dar certo um dia. Quando eu morava nos Estados Unidos, a prática era muito mais difícil com a escola, faculdade etc. Na faculdade, até encontrar um local era um problema porque eu estava dividindo um apartamento com três outras pessoas. Mas, naquela época, eu ouvia muita música para compensar isso e, quando ia para casa todo mês, praticava de 2 a 3 horas todos os dias. Quando me mudei para Chennai, não havia tantos problemas e pude praticar pelo menos 2 a 3 horas de manhã e outras 2 a 3 horas à tarde ou à noite regularmente. Eu também costumava ir a shows quase todos os dias, não importando quem fosse o artista. Em outras palavras, eu preenchia todo o meu tempo com música naquele ponto. Muito disso era repetição.

A repetição é como a ciência funciona. Você repete, perfeito, não é?

Sim, algo que os alunos de hoje devem ter em mente é que eles não devem apenas aprender uma música e depois passar para a próxima. Uma coisa que me ocorreu logo no início é que você tem que cantar uma música centenas de vezes. Isso é o que os melhores artistas, especialmente do passado, sabiam e faziam. Em algum lugar no meio, ele foi esquecido por muitos aspirantes a músicos. E admito que às vezes até eu sou vítima dessa atitude: acho que aprendi uma música, já a cantei algumas vezes e agora quero cantá-la em um show o mais rápido possível. Pode funcionar naquele dia e eu posso estar seguro, mas quando canto a mesma música depois de um mês, dois meses ou seis meses, a versão daquele dia e a primeira versão estariam a quilômetros de distância. Quando você canta uma música pela primeira vez, está apenas recitando, mas quando a pratica tantas vezes durante um período, ela pode se tornar sua música. Você não está mais recitando algo memorizado, é parte de você. Eu vejo isso até hoje. Repetição é algo que percebi ao longo dos anos como tão importante. Eu canto varnams repetidamente. Velocidades diferentes, com exploração gamakam diferente, coisas diferentes assim.

Agora, com shows e programações de viagens, não tenho conseguido praticar muito, mas tento reservar pelo menos uma ou duas horas por dia. Em dias de viagem, a prática será como uma recapitulação de um show: o que cantar e o que evitar, porque eu não gostaria de repetir as músicas e ragas que teria cantado no mesmo local antes. Por exemplo, desta vez, quando eu estava indo para o festival Chembai em Guruvayoor, de repente percebi que não cantava Rasavilasa (música do Swathi Thirunal em raga Kamboji) há muito tempo. Então, durante a viagem de carro do aeroporto de Coimbatore para Guruvayoor, eu estava ouvindo uma gravação e tentando refrescar minha memória. No final, não acabei cantando porque havia um pedido de uma música diferente, mas estou feliz por ela estar de volta na minha memória e pretendo cantá-la novamente em breve.

Músicos carnáticos são conhecidos por empregar diferentes técnicas de voz para aperfeiçoar seu canto, às vezes até com a ajuda de especialistas em voz. Voc ~ e tem algum?

O que percebi é que nossa própria música tem muitos exercícios embutidos. Mesmo as coisas básicas como sarali-varisai e janta-varisai são exercícios em si mesmas. Infelizmente, eles foram rotulados como o ponto de partida do iniciante para aprender um varnam e quando você termina com isso, você se move para swara jathis e geetham e tende a não olhar para trás. Mas essas coisas são atemporais. São exercícios muito bons que foram apresentados para nós. Está bem ali em seus primeiros livros geetham. Às vezes, canto esses em ragas diferentes e em velocidades diferentes, mantendo a clareza. Isso em si é um exercício de voz incrível. Tornou-se um desafio divertido para mim.

Sandeep Narayan se apresenta em um show no Templo Kapali de Chennai em 2019.

Até mesmo os Varnams são exercícios tão bons. A velocidade vai de lenta para rápida, a melodia geralmente varia de muito baixa a muito alta, e estamos fazendo swaram, sahithyam, etc., tudo isso. Então, os exercícios de voz realmente vêm com nossa música. Precisamos apenas explorá-los e utilizá-los adequadamente.

Mas também conversei com profissionais treinados sobre os tipos de exercícios de aquecimento e relaxamento que podem ajudar a manter a voz. Normalmente não pensamos que o relaxamento é necessário, mas é como qualquer outro músculo e qualquer outro treino em uma academia e, da mesma forma, disciplina e prática são necessárias em ambos.

Hoje em dia, há muita demanda por variedade e, portanto, um artista precisa expandir constantemente seu repertório. Isso coloca pressão sobre você?

Talvez décadas atrás, alguém poderia cantar o mesmo conjunto de músicas repetidamente, cidade após cidade, e também aperfeiçoar essas músicas no processo. Hoje, no entanto, com o advento das mídias sociais e plataformas digitais, você não pode fazer muito isso. Se eu cantar uma música ou raga em um lugar, todos nas outras cidades ficarão sabendo quase imediatamente. Se eu repetir em outra cidade logo, eles dirão que estou cantando as mesmas músicas em todos os lugares, e comentariam que talvez eu não saiba de mais nada! Então, cantar novas músicas com mais frequência se tornou uma necessidade. A desvantagem é que, se você está constantemente cantando coisas novas, não pode se aprofundar nas músicas que deseja dominar. Então, definitivamente pode haver muita pressão. Como mencionei anteriormente, o ideal é cantar uma música várias vezes antes de apresentá-la publicamente, o que também pode sobrecarregar a voz ao tentar atualizar constantemente o repertório de cada concerto.

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Minha abordagem é trazer um frescor até nas músicas antigas, além de cantar as novas. Não é apenas para o público, mas também para mim. Se eu canto algo que cantei há 20 anos atrás e ainda soa igual, significa que, como músico, não cresci. Embora os artistas provavelmente pudessem se safar cantando uma música com mais frequência do que hoje, também percebi que o maior dos artistas não apenas encontrou algo que funcionou e continuou fazendo a mesma coisa. Em vez disso, todos eles continuaram evoluindo. Você vê essa mudança e maturidade em sua música ao longo dos anos.

Mas os mestres anteriores não tiveram esse tipo de pressão para expandir seu repertório

Não sei ao certo quais pressões os mestres do passado tiveram ou não. Mas eu suspeito que pode ser verdade e é por isso que eles conseguiram cantar algumas de suas canções que se tornaram seus sucessos que associamos a eles. Não vamos esquecer que eles introduziram novas músicas e raga. Fui apresentado a alguns ragas hindus, como Durga e Gavathi, por meio da música de GN Balasubramaniam. Às vezes, eles tornaram a raga famosa e às vezes a raga os tornou famosos. Mas havia dinamismo mesmo nessa abordagem. A música pode ser a mesma, mas eles trouxeram novas idéias para o canto swara, o neraval etc. Como você sabe, as pessoas até se referem a essas músicas por suas datas de gravação. O artista X cantou uma canção Y inesquecível no ano Z. Por que as pessoas fazem isso? Porque mesmo que a música ou raga seja a mesma, a interpretação não é. Se você acha que depois de quatro shows um artista soa igual, você pode não sentir mais vontade de ouvi-lo. Artistas de sucesso de antigamente e de hoje sempre evitaram cair nessa armadilha. Eles trazem algo diferente a cada apresentação.

Sandeep Narayan se apresenta em um show na Carnegie Mellon University, Pensilvânia, em 2013.

Muitos mestres do passado que as pessoas idolatram agora não receberam o devido reconhecimento durante sua época. Você segue algum trabalho deles?

Houve alguns artistas que muitas vezes achamos que foram subestimados durante seu tempo em comparação com sua competência e contribuição reais. As pessoas sempre falam sobre MD Ramanathan como um exemplo disso. Eu sinto que Thanjavur S Kalyanaraman também era assim. E embora Madurai Somasundaram tenha tido bastante sucesso em seu tempo, ele ainda não parece entrar para os livros de história no mesmo nível que alguns de seus colegas da época por qualquer motivo. Em 2019, comemoramos seu centenário de nascimento, Somu 100, em muitos lugares, mas antes disso você dificilmente ouviria as pessoas discutindo seu nome e sua música nos últimos anos. Acho isso muito estranho.

Não é estranho que as pessoas falem mais sobre Kalyanaraman agora?

Hoje ele é um herói de culto. Acho que basicamente ele estava à frente de seu tempo. Na verdade, ouço muitas anedotas interessantes sobre SKR de seus discípulos, familiares e amigos que o conheceram pessoalmente. Um deles é como ele fez muitas pesquisas em técnicas de voz para melhorar suas próprias habilidades. Por causa dessas técnicas, ele conseguiu manter a precisão em sruthi e laya. Na verdade, disseram-me que ele costumava sentar-se sozinho à noite, quando tudo estava calmo, e fazer seus exercícios de voz. Ele também havia explorado os dwi-madhyama panchama varjya ragas, algo que era um conceito que ninguém realmente havia explorado muito, e era um especialista em vivadhi ragas. As pessoas olham para o seu trabalho com muito temor hoje. Ou, pelo menos, certamente quero.

Sempre que me perguntam quem é a única pessoa com quem gostaria de ter conhecido e passado algum tempo, é sempre essa pessoa que vem à minha mente.

Já que você vem de um meio sociocultural diferente e está exposto a outras formas de arte e música no mundo, isso influencia sua música?

Sempre escutei muito pop, rock, R&B, Hip Hop ocidental, etc. Até hoje, ouço. Minhas listas de reprodução do Spotify são uma mistura de artistas dos EUA e do Reino Unido, bem como indianos. Ouvir estilos musicais não carnáticos costuma ser um alívio ou um alívio para mim. A música carnática sempre me coloca em foco profundo e mantém meu cérebro constantemente ligado. A única maneira de eu desligar ou parar para fazer uma pausa é ouvir outros estilos. Mas eu não sei o quanto isso influenciou minha música Carnatic. Eu não acho que posso trazer rap ou Hip Hop para carnatic (risos)!

Mas pode haver elementos na música popular ou outras formas que podem enriquecer ou adicionar cor à sua música clássica

Eu diria que provavelmente as canções de filmes antigos tendem a se tornar mais fáceis para a música carnática, especialmente se forem baseadas em raga. Ou padrões rítmicos diferentes de outros estilos. Eles podem não ser tradicionais, mas podemos trazê-los para a nossa música com muito mais facilidade. Normalmente um pouco do Jazz porque existem muitos paralelos. Eu não acho que a música rock se presta muito ao Carnatic, sem entrar no gênero da fusão.

Acho que o jazz é o equivalente ocidental, ou melhor, americano, da música carnática. Ambos são músicas de improvisação semelhantes. Muitas vezes me pergunto por que as pessoas não tentam técnicas de jazz na música carnática porque tornaria os shows mais coloridos, mesmo sem perder seu classicismo ou seriedade

Sim, você está certo, o Jazz é o mais próximo do Carnatic. Por causa do termo comum clássico, todo mundo compara a música clássica do sul da Índia ou do norte da Índia com a clássica ocidental por padrão. Mas se você olhar os detalhes técnicos e a apresentação do show, o Jazz é mais parecido com a música Carnática. Por exemplo, embora tenham um refrão, temos uma linha de uma canção ou um pallavi em raga-tanam-pallavi. Pallavi é o mesmo que pegar um refrão como no Jazz e fazer uma improvisação indefinidamente. Enquanto isso, Tanam é semelhante à dispersão. Estamos apenas pegando algumas sílabas que não têm nenhum significado lírico e estamos misturando melodia e ritmo.

Outro paralelo é o nível de habilidades de que você precisa

Mesmo em termos de treinamento, é muito semelhante à música Carnatic. Suas habilidades ou treinamento podem ser em como cantar, tocar piano, saxofone ou bateria. É um treinamento técnico. E eles ouvem muito. Os artistas de jazz estão constantemente tocando ou ouvindo alguma coisa. Uma vez que eles dominam as habilidades técnicas, a partir de um certo ponto sua criatividade entra em ação, porque eles também estão ouvindo muito. Eles têm o conhecimento técnico para fazer o que está em sua cabeça. Essa mensagem do cérebro para a sua voz ou dedos é tratada devido às suas habilidades técnicas. É a mesma coisa no Carnatic também.

Uma foto da gravação do videoclipe Gopala Gokula de MadRasana.

Mas é estranho que músicos de jazz venham de origens pobres, enquanto Carnatic tem um perfil sócio-cultural diferente, que às vezes é acusado de ser exclusivo

Provavelmente, isso tem a ver com a forma como a cultura se desenvolveu em uma comunidade. Sim, os dados demográficos são muito contrastantes, enquanto o treinamento, o estilo e a maneira como temos ideias são muito semelhantes. Como uma estrutura paralela. Quase desde o início.

Mas em Carnatic, não existe alguma forma de arregimentação, mesmo na improvisação, porque é controlado por um antigo sistema conservador?

Bem, eu diria que ainda existem algumas regras, mesmo no Jazz: eles têm um ciclo rítmico acontecendo e, embora não sigam uma raga como fazemos, eles têm um modo ou uma escala. Existem certas notas que vêm neste modo, a ordem das notas pode não ser muito rígida e de vez em quando elas trazem uma nota estrangeira apenas para o contraste, mas eles voltam. Eles seguem principalmente suas escalas, que é semelhante ao que fazemos. Sim, você está certo. Na música carnática, acho que há algumas pessoas que tentam impor muitas regras.

Às vezes, até uma pequena imperfeição soa bem, não é?

Eu não acredito no tipo certo e errado de abordagem. É mais como um bom e um mau. E isso pode ser julgado com base na experiência e maturidade de um artista. Por exemplo, existe uma identidade para um raga. Você não precisa ouvir todas as notas da escala para saber que é um Todi ou um Sankarabharanam. Com uma frase, você pode saber o que é raga. Como você identifica um raga, mesmo que eu não tenha cantado todas as notas? E de onde vem esse certo e errado? A apresentação da música deve ser sobre a estética e a conexão que ela cria. Eu pessoalmente não gosto da imposição de tais regras para cada pequena coisa.

Cantores anteriores, como Madurai Somu, e músicos contemporâneos, como Sanjay Subrahmanyan, têm muitos elementos não convencionais em sua música que os tornam um gênero à parte. Você não está inspirado para fazer algo semelhante?

Ambos são definitivamente artistas muito inspiradores para mim. Mas eu não quero fazer algo não convencional conscientemente apenas para ter meu próprio gênero. Talvez um dia eu olhe para trás e veja que fiz coisas não convencionais, mas gostaria que tudo fosse natural e chegasse na hora certa por conta própria. Talvez isso resulte em um gênero diferente, como você diz. Muitas vezes gosto apenas de ouvir algo e apreciar sua beleza, ao invés de dissecá-lo e decidir se é convencional ou se entrou em um novo espaço. Os novos espaços se formarão organicamente conforme eu cresço e minha música amadurece ainda mais.

Quão importante é sua conexão com o público?

É extremamente importante para mim. Se eu estiver cantando em um salão que está escuro, pedirei aos organizadores que liguem as luzes porque não quero cantar para uma parede preta. Quero ver as pessoas, seus olhos, suas reações, tudo. Para mim, eu me alimento muito disso. Se eu não sinto que eles estão comigo ou eles não estão reagindo positivamente, eu mudo meu curso no local. É uma conversa. O público está respondendo e se comunicando comigo de sua própria maneira. Sem o público, para quem estamos cantando? Eles são parte integrante da experiência do concerto. Quando tenho um público muito receptivo, sinto que posso cantar qualquer coisa. Eu me sinto como um super-homem nesses dias. Se eu não receber nenhuma resposta, posso até começar a duvidar de mim mesmo.

Você usa a conexão com o público como uma técnica para obter o feedback deles?

Acho que nas primeiras músicas em si você consegue localizar os bolsões na audiência que realmente respondem ao que você está fazendo. Meus olhos e meu foco tenderão a voltar para eles naturalmente. Eu não faço isso conscientemente, mas acontece instintivamente. Às vezes, instintivamente, você olha para eles por um segundo extra para validar o que você está cantando também, porque eles estão me dando esse feedback silenciosamente até aquele ponto.

O público em Chennai é responsivo?

Oh sim, absolutamente. Você deve se lembrar que em Chennai, o público é exposto a muita música, então o rasika comum em Chennai é bastante educado em música carnática. Há uma razão pela qual todos vêm aqui de todas as partes do mundo. Por que me mudei de LA para Chennai? Fazer um nome aqui é realmente o desafio. O público aqui é muito exigente, mas lhe dará um feedback honesto.

Sandeep Narayan diz que é possível fazer certas coisas como truques limítrofes em alguns lugares, mas em Chennai você tem que ter cuidado porque o público já viu de tudo. (Foto expressa: Rajappane Raju)

Eles são generosos em dar feedback?

Você pode se safar com certas coisas como truques limítrofes em alguns lugares, mas em Chennai você tem que ter cuidado porque o público já viu de tudo. Posso dizer que fiz uma turnê pelo mundo e cantei para todos os públicos, mas Chennai vai responder: Não me importo para onde você foi, você tem que cantar para mim agora. (risos)

É humilhante de várias maneiras. Obter uma reação positiva do público de Chennai significa muito. E eles respondem, eles dão onde é devido. Se você tentar fazer algo para obter a apreciação deles, eles verão isso. Mas se você e sua música forem genuínos, eles responderão. Você pode se surpreender quando eles apreciam algo quando você não esperava. Pode ser uma verificação da realidade.

É a beleza do ecossistema de Chennai porque é isso que sustenta essa tradição carnática. Não é?

sim. O ecossistema não diz respeito apenas aos artistas, mas também ao público. Sem eles, podemos não levar nossa música a níveis mais elevados. Sempre digo aos alunos e artistas que moram fora de Chennai para virem aqui e ver o que as pessoas de sua faixa etária ou colegas estão fazendo musicalmente.

Bom ajuste é ter sucesso em Chennai e em outros lugares, certo?

Esse é o equilíbrio ideal. Aqui, você realmente aprimora suas habilidades. Enquanto isso, se apresentar em outros lugares, você aprenderá como se apresentar de maneira diferente para públicos diferentes. Ambos são necessários para ter um desempenho de sucesso.

O desafio da improvisação torna você vulnerável no palco?

Eu sinto que a pessoa deve estar um pouco vulnerável no palco. Fico triste se um artista sente que o que ele vai apresentar no palco tem que ser perfeito. No momento em que você começa a fazer isso, você não está explorando e expandindo sua criatividade musical tanto quanto é capaz. Agora você está mais preocupado com o pacote comercial. Você está tentando manter uma marca ou nome que estabeleceu. Tem que haver um equilíbrio entre o padrão que você estabeleceu e ainda explora a criatividade. Isso significa que você tem que ser vulnerável até certo ponto na frente do público.

Quando eu subo no palco, há uma certa parte de mim que está confiante e diz: Ok, esta é a minha zona de conforto. Mas se vou fazer apenas o que sei que é seguro e já testado, como vou passar para o próximo nível como artista? A vulnerabilidade a que estou me referindo é sobre se abrir para o público e dizer: ei, estou tentando algo e vamos ver juntos como funciona. Isso também faz parte da conversa de que falei anteriormente.

Sandeep Narayan se apresenta em um concerto em Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, em 2015.

Em um de nossos shows da turnê pelos Estados Unidos, eu tentei um korvai complicado que já havia praticado o suficiente, mas não era apenas trabalhar enquanto estava no palco. Não funcionou uma, duas vezes e na terceira vez pensei que ia acontecer, mas não funcionou. Naquele momento, algo em meu cérebro estava desligando. Se eu tivesse tido um minuto de silêncio para pensar e resolver isso, teria sido capaz de lidar com isso; mas o talam estava acontecendo, o público estava assistindo e não havia tempo para pensar. Finalmente, terminei com um korvai diferente. Mas quando o artista mridangam começou a tocar o solo, ele tocou o korvai corretamente. Eu imediatamente entrei e cantei com ele. Então eu anunciei para o público que era o que eu estava tentando cantar. Eu também disse que se não tivesse conseguido, não teria conseguido dormir naquela noite! (risos)

Essas imperfeições tornam os shows memoráveis, não é?

Acho que sim, mas não quero que essas coisas aconteçam com frequência. Se algo acontecer natural e organicamente, tudo bem. Algo fora do plano aconteceu e eu fui transparente. Acho que é a vulnerabilidade de que falamos. Eu quero que meu show seja o mais genuíno possível.

Como você planeja um show?

Tento não repetir os ragas e composições que cantei naquele lugar no passado recente, mas você não pode evitar a repetição às vezes se quiser incluir um raga de gana, pois há apenas um número limitado deles. E normalmente, se eu os evito em um show, as pessoas naturalmente perguntam por que não havia Bhairavi, Thodi ou Kamboji etc. E eles estão certos também. Provavelmente, para evitar a repetição, irei cantar uma composição diferente, ou usar uma raga de Gana em um Pallavi um dia, e como principal em outro dia, etc.

A segunda coisa é conseguir uma variedade de compositores e talams. E também variedade de ragas em termos de contraste. Você tem que levar o ouvinte nessa jornada e, portanto, oferece alguma variedade.

Também depende de onde estou cantando. Em Tamil Nadu, canto uma ou duas canções Tamil, em Karnataka, uma ou duas canções Kannada e em Kerala uma ou duas canções Swathi Thirunal. Misture canções conhecidas e adicione uma ou duas raras. Temos que nos equilibrar constantemente. É assim que eu abordo um show. Eu mudo a lista depois de subir no palco? Sim o tempo todo. Depois de chegar ao local e ver o público, às vezes penso que meu plano não funcionará bem e, portanto, faço mudanças no horário do jogo!

Quando as pessoas vêm até você com pedidos durante o show, elas atrapalham seu esquema de coisas?

Se eu receber um pedido de antemão, será mais fácil incorporá-lo ao meu plano de show. Às vezes, esses pedidos também se alinham com o seu pensamento. Às vezes eles não, mas eu não me importo. Em qualquer caso, tento o meu melhor para atender à maioria dos pedidos que recebo durante os shows. Afinal, é nosso trabalho cantar o que o público quiser.

Alguns cantores estão adicionando novas composições em seus repertórios para contemporizar seu show? Digamos, por exemplo, adicionar poesia moderna como uma composição ou um Pallavi.

Provavelmente não estou fazendo isso ativamente porque já há muito por aí. Talvez isso seja algo que eu faria com mais consciência no futuro, quando sentir que é a hora certa.

Qual é a sua abordagem para a exploração de ragas?

Normalmente, há um esqueleto para ragas comumente ouvidas e é nosso trabalho preenchê-lo de forma criativa. Os ragas de Gana oferecem muito espaço a esse respeito. E na maioria dos ragas, sempre há sangathis estabelecidos aos quais você pode recorrer se um novo caminho que você seguir não estiver funcionando. Quando canto esses ragas, sinto-me confiante para explorar e experimentar mais, enquanto volto aos padrões e transições testados pelo tempo.

Depois, há ragas com pouca ou nenhuma estrutura e padrão porque quase nunca são cantadas. Este é o outro extremo. Aqui, sua liberdade vem do fato de que há pouca exploração anterior. Quando eu canto esses ragas, posso tentar fazer um monte de coisas novas, porque quem vai vir e me dizer que eu não cantei direito? Não há ideia do que é adequado e aceito neste caso.

Sandeep Narayan recebe um prêmio na Academia de Música.

Como você lida com os ragas raramente cantados? Como você os desenvolve com composições e referências limitadas?

Acho que, conforme minha maturidade musical cresce, coisas diferentes surgem na minha cabeça. Por exemplo, em uma raga raramente ouvida como Deepali, exceto por alguns sangathis e uma escala, não muito foi estabelecido. Nesses casos, posso pegar uma nota e decidir que é meu ponto de aterrissagem. Normalmente, ninguém dirá que está errado. Mas você pega um Devamanohari parecido com um raga mais antigo e conhecido - e muda a nota inicial, soará estranho porque já está definido nas mentes dos ouvintes de uma determinada maneira. Nesses casos, a identidade raga começa a se transformar em outra coisa.

Mas alguns desses ragas raros são hindustanis. Você não pode usar referências do Hindustani?

Você pode, mas o seu gamakas são diferentes. A abordagem do raga é diferente. Você pode imitar o hindustani até certo ponto - digamos, você pode fazer Pantuvarali soar como Basant ou Puriya Dhanashree. As mesmas notas, quando cantadas no estilo hindustani, soarão diferentes.

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Você faz isso às vezes?

Sim eu quero. Eu gosto (risos). É uma preferência pessoal.

Isso me lembra de uma gravação de um Pallavi de TN Seshagopalan em que ele está cantando frases paralelas entre o Carnatic Bhairavi e Sindhu Bhairavi (que é como o Hindustani Bhairavi). Essas coisas são muito legais para mim, mas você tem que ter cuidado para não se perder nas notas que são comuns com outros ragas. Não é uma coisa fácil.

Você é um cantor bastante expressivo. Como você se emociona? Por exemplo, você precisa sentir a devoção pessoalmente para fazer uma música devocional funcionar?

Não em todos eles, mas em alguns sim. Muitas vezes, o significado da música o ajudará a despertar a emoção. Às vezes, a emoção está no próprio raga. Às vezes, pode ser uma conexão com a música ou com o compositor. Por exemplo, sabemos o significado da canção varugalaamo em Manji de Gopalakrishna Bharathi. Eu não canto essa música pensando em mim como aquele que anseia por ver a divindade, mas fico emocionado ao pensar no compositor que escreveu tão lindamente e descreveu tal situação.

Alguma raga pela qual você se sente emocionalmente conectado ultimamente?

Ultimamente, estou tendo alguma conexão com Thodi. A natureza da minha conexão com os ragas é diferente para cada um e está sempre mudando. Pode soar clichê, mas aprendi que há uma razão pela qual tantos artistas voltam a essa raga em particular e porque ela tem a reputação que tem. São apenas sete notas, mas há algo muito vasto além disso. Sinto como se estivesse descendo um túnel Thodi e aprendendo mais e mais sobre a raga quando a canto, e quando penso que posso estar fora do túnel, percebo que há ainda mais a ver com essa raga maravilhosa e me aprofundo ainda mais profundo.