Uma vida em risco: comemorando três décadas de trabalho de Nasreen Mohamedi

Quando ela estava viva, o trabalho de Nasreen Mohamedi mal foi notado pelo mercado e quase nunca foi resenhado. Hoje, uma exposição em Madrid a celebra como uma mestre moderna. Quem era esse artista recluso?

Aqui estava uma artista cujo trabalho estava diminuindo em tamanho, que estava trabalhando apenas em linhas e restringindo suas obras a um elemento particular. Baseou-se na ideia de renunciar a muitas coisas - figuras, cores e objetos. (Fonte: Jyoti Bhatt and Asia Art Archive)Aqui estava uma artista cujo trabalho estava diminuindo em tamanho, que estava trabalhando apenas em linhas e restringindo suas obras a um elemento particular. Baseou-se na ideia de renunciar a muitas coisas - figuras, cores e objetos. (Fonte: Jyoti Bhatt and Asia Art Archive)

Em uma sala sem mobília, uma mulher estava sentada em silêncio, observando as sombras passarem pelas paredes brancas e nuas. Em outros dias, ela ficava no chão, com uma prancheta de arquiteto, lápis na mão e uma série de instrumentos de precisão espalhados ao seu redor. Em Baroda da década de 1970, Nasreen Mohamedi encontrou um canto tranquilo para si mesma em um apartamento-estúdio. Depois que as aulas terminaram no departamento de artes plásticas da MS University, não havia mais reclamantes para o tempo do artista. Seus diários refletiam a severidade com que ela se cercava. Sinto necessidade de simplificar, lê-se um verbete, enquanto outro, em papel pautado, diz: A sombra veio e ficou em seu lugar como ontem.

Mohamedi nasceu em Karachi em 1937. Ela cresceu em Mumbai durante a luta nacionalista e a partição. Ela estudou em Londres e Paris, antes de finalmente se estabelecer em Baroda. No entanto, as viagens de Mohamedi não deixaram uma marca óbvia em sua sensibilidade. Sua prancheta era composta por folhas de papel em branco. Seu meio favorito era o lápis. Ela desenhou linhas e trechos intrincados de grafite sólido, que se alternavam com espaços em branco. Ela se recusou a teorizar seu trabalho, deixando-os em aberto e, muitas vezes, sem título. Ela percorreu um caminho que traçou para si mesma na época em que seus contemporâneos, como Tyeb Mehta e MF Husain, estavam entusiasmados com as cores e a grandeza das narrativas figurativas. Ela escolheu aprimorar uma compreensão excepcional da arte abstrata.

Vinte e cinco anos após sua morte (ela faleceu em Kihim, perto de Mumbai, da doença de Huntington aos 53 anos em 1990), Mohamedi está sendo celebrado como um mestre moderno global. Uma exposição contínua - uma colaboração entre o Museu de Arte Kiran Nadar de Delhi, o Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia em Madrid e o Museu Metropolitano de Arte de Nova York - traz para nós três décadas do trabalho de Mohamedi. Intitulado Nasreen Mohamedi: Waiting is a Part of Intense Living, o show estará no ar em Madrid até 11 de janeiro de 2016 e viajará para Nova York de 1º de março a 5 de junho.



Reúne a maior coleção de suas obras (207) e, pela primeira vez, preenche as lacunas na história da vida de Mohamedi, tanto pessoal quanto artística.

Mohamedi nasceu em uma família unida, um de oito filhos. Sua mãe faleceu quando ela era muito jovem. Seu pai era moderno e acreditava na educação de meninas. Ele era dono de uma loja de equipamentos fotográficos no Bahrein, entre outras empresas familiares no país. As viagens para a cidade do deserto acabariam por despertar o profundo interesse de Mohamedi pela fotografia. Eles também tinham uma casa de família no vilarejo de Kihim, Bombaim, onde ela passava muito tempo caminhando à beira-mar.

Não se sabe muito sobre suas habilidades artísticas na infância, mas em 1954, Mohamedi conseguiu uma vaga na St Martin’s School of Art em Londres para estudar artes plásticas aos 16 anos de idade. Em 1961, ela foi para Paris com uma bolsa de estudos. Entre Londres e Paris houve uma breve estada em Bombaim, quando ela ingressou no Instituto Bhulabhai de Artes. Logo depois, a Galeria 59 sediou sua primeira exposição individual. Ela conheceu os influentes abstracionistas Gaitonde e Jeram Patel na cidade. Enquanto Gaitonde se tornou sua mentora, ajudando jovens artistas como ela e Zarina Hashmi a desenvolver uma estética sublime de abstração, foi Patel quem se tornou seu amigo e colega de longa data. Em um ensaio seminal intitulado Elegia para uma amada não reclamada: Nasreen Mohamedi 1937-1990, o amigo próximo de Mohamedi e historiador da arte Geeta Kapur observa: Se na situação indiana queremos encontrar um único artista complementar (também em um sentido paradoxal, contraditório) vis -a-vis Nasreen, finalmente deveria ser Jeram Patel.

Os primeiros trabalhos de Mohamedi vêm de seu tempo em Londres, onde vemos uma rejeição instantânea da anatomia humana. Existem algumas tentativas perdidas de capturar a forma humana, mas essas incluem linhas e contornos quebrados. Às vezes, se ela desenhava figuras, ela se concentrava nas roupas, nos padrões do sári, por exemplo. O corpo nunca a atraiu, diz a curadora Roobina Karode, aluna de Mohamedi, que ajudou a organizar a mostra atual.

A mostra, que cobre seus primeiros trabalhos no final dos anos 1950 até o final dos anos 1980, explora as transições sutis de um meio para outro - dos primeiros esboços a aquarelas e óleos baseados em telas e, finalmente, lápis e grafite. Enquanto buscava arte para a mostra, Karode encontrou 70 obras, nunca mostradas antes, de vários colecionadores particulares em todo o mundo. Algumas das obras foram emprestadas pela Coleção do Museu de Arte de Glenbarra no Japão, a propriedade de Mohamedi em Mumbai, a Galeria Talwar em Nova York e artistas como Jyoti Bhatt e Nilima e Gulammohammed Sheikh.

Em St Martin's, o fascínio de Mohamedi se voltou para a abstração inspirada na natureza. Ela pintou apenas algumas telas, principalmente representações naturalistas de seus arredores, e depois as abandonou para sempre. Ela passaria para os padrões geométricos e, finalmente, a grade na década de 1970.

A grade também mudou de forma - das estruturas bidimensionais iniciais que se espalharam de ponta a ponta, fortalecidas por linhas escuras, Mohamedi mudou para outras mais claras. Até mesmo as linhas eram menos. Embora a abstração tenha assumido muitas formas na Índia nas obras de Ambadas Gade, Gaitonde, SH Raza e Mohan Samant, o domínio de Mohamedi permaneceu distinto. Ela não estava inclinada a fazer parte da narrativa pós-independência na arte visual modernista. A maioria de seus colegas estava tentando trabalhar com óleo como meio, passando para telas maiores, trabalhando em uma escala maior, suas narrações estavam ficando mais grandiosas. Aqui estava um artista cujo trabalho estava diminuindo em tamanho, que estava trabalhando apenas em linhas e restringindo as obras a um elemento particular. Baseou-se na ideia de renunciar a muitas coisas - figuras, cores e objetos. Acho que ninguém escolheu trabalhar com esse vocabulário, diz Karode. Em uma de suas anotações de diário, Mohamedi observa este estado de espírito: Máximo fora do mínimo.

Suas linhas, ao que parece, acompanhavam sua própria vida - com a idade, as sombras se tornaram mais claras, as linhas mínimas, até que se pudesse sentir as ondulações evanescentes lentamente desaparecendo na página em branco.

Ela se recusou a teorizar seu trabalho, deixando-os em aberto e, muitas vezes, sem título. Quando seus contemporâneos, como Tyeb Mehta e MF Husain, escolheram a grandeza das narrativas figurativas e da cor, ela aprimorou uma compreensão excepcional da arte abstrata. Outra obra sem título de 1960. (Fonte: Museu de Arte Kiran Nadar)Ela se recusou a teorizar seu trabalho, deixando-os em aberto e, muitas vezes, sem título. Quando seus contemporâneos, como Tyeb Mehta e MF Husain, escolheram a grandeza das narrativas figurativas e da cor, ela aprimorou uma compreensão excepcional da arte abstrata. Outra obra sem título de 1960. (Fonte: Museu de Arte Kiran Nadar)

De Paris, ela voltou para a Índia em 1970 e foi pela primeira vez a Delhi. Esse novo centro de arte era dinâmico e interessante e, enquanto morava em um barsati em Nizamuddin, Mohamedi se reuniu com muitos de seus colegas de Bombaim. Alguns deles incluíam artistas como Gulammohammed, Nilima Sheikh e Arpita Singh. A fotógrafa Jyoti Bhatt lembra de ter ficado na casa dela naquela época. Ela era uma pessoa muito santa, muito simples. Ela me deu alguns livros sobre fotografia porque sua família tinha uma loja de fotografia no Bahrein. Ela
me interessou por projetos matemáticos. Ela se interessava por arte islâmica e isso tem muito a ver com matemática, diz a senhora de 81 anos.

Em 1972, Mohamedi foi nomeado professor da Faculdade de Belas Artes da MS University. Essa mudança a ajudou a encontrar uma renda na comunidade maior de artistas. Enquanto a comunidade artística era pequena e unida em todo o país, Baroda, diz Gulammohammed, era tão íntimo quanto uma família extensa. Lá, Mohamedi se aproximou dele e de sua esposa Nilima. Eu a conhecia em Delhi, mas foi somente em Baroda que a conheci bem. Ensinamos no mesmo departamento. Costumávamos dividir um estúdio. Ela estava fazendo seu melhor trabalho naquela época e eu pude ver isso, diz Nilima, que se tornou uma amiga próxima. A falecida artista presenteou Nilima e Gulammohammed sua última pintura a óleo quando os dois se casaram. Faz parte da exposição atual.

Mas apenas em seus diários ela se revelaria. Os diários, que ela manteve assiduamente das décadas de 1960 a 1980, ajudaram críticos e estudiosos a compreender seu processo. Freqüentemente, ao criar novas obras, Mohamedi se cercava de antigas. Como se fosse uma referência, diz Nilima. Eu costumava achar essa parte de seu processo criativo muito interessante. Ela também amava música, especialmente Bhimsen Joshi.

Karode também era vizinho de Mohamedi em Baroda. Ela se lembra vividamente de seu amor por sáris trançados, especialmente aqueles com linhas. Ela tinha uma compreensão delicada de estilo. Mas seus sáris não eram apenas preto e branco. Ela também usava vermelhos ou verdes profundamente saturados, diz Nilima. Ela gostava de cores. Não é verdade que só porque ela desenhou em preto e branco, ela os usava também. Ela tinha uma relação sensual com as cores. Ela gostava de cores nas obras de outras pessoas. Preto e branco foi apenas uma escolha que ela fez em sua própria arte.

Como professor, os métodos de Mohamedi eram incomuns. Karode se lembra de Mohamedi levando seus alunos para fora das salas de aula, em vez de mantê-los dentro de casa. Vivan Sundaram lembra claramente de suas aulas na MS University. Ela queria que os alunos soubessem que eles deveriam observar os mínimos detalhes da natureza, e não simplesmente imitá-los. Ela buscou a essência na simplicidade e na forma e esse foi seu principal trabalho, diz a artista de 72 anos.

Nilima, que lecionava na mesma turma e focava na cor e no design, diz: Ela radicalizou a ideia do desenho. Era interessante que ela nunca se envolvesse com o volume e a profundidade de um objeto. Ela lidou com relações espaciais. Mohamedi costumava fazer pequenas exposições em sua sala de estar, onde exibia seus esboços em forma de L no chão. Os alunos andavam em fila, viam as obras, a abraçavam e iam embora. Nenhuma palavra seria trocada. Silêncio não significava falta de comunicação para ela, diz Karode.

Os diários pessoais de Mohamedi revelam os contornos de sua imaginação. As páginas, das quais cerca de 20 estão expostas na exposição, retratam um diálogo interno silencioso dentro da cabeça do artista. Eles revelam um processo cuidadoso e intenso. Eles têm uma qualidade de um Haiku ou um ditado Rumi, diz Sundaram.

Ela escreveu muito mais nos anos 60 e 70. Com o passar do tempo, os diários ficaram mais vazios, diz Karode. Seus primeiros escritos incluíam passagens selecionadas ou referências de Garcia Lorca, Rainer Maria Rilke, Friedrich Nietzsche e Albert Camus, junto com entradas que se referiam às tradições Sufi, Upanishads e Zen. Nos diários, ela notou a influência distinta de artistas como Paul Klee e Vassily Kandinsky.

Mohamedi também tirou fotos ao longo de sua vida profissional, algumas até durante suas longas viagens como estudante de arte em Londres. Ela nunca teve a intenção de exibir as fotos em público. Derivadas da experiência física de caminhar, encontrar, parar, posicionar, girar 180 graus sobre os calcanhares para ver um mero objeto ao nível do solo, são as fotografias que marcam, sem qualquer intenção programada por parte de Nasreen, a interseção do modernista tardio e estética minimalista. Há nessas fotos um senso de design, até mesmo um teatro discreto, observa Kapur.

A produção artística de Mohamedi ainda não está totalmente resumida, devido ao fato de que a maioria é intencionalmente não datada, não assinada e sem título pelo artista. Isso representa um desafio para historiadores e estudiosos da arte. A maioria de seus trabalhos, ao longo do tempo, foi parar em coleções particulares em todo o mundo, especialmente no Japão e nos Estados Unidos. Sempre haverá alguns 'se' e 'mas' em torno de suas obras, porque são de tal natureza que não é fácil construir uma narrativa da história da arte. Há muito mais coisas para entender sobre ela, diz Karode. A Reina Sofia e as exposições do Metropolitan Museum of Art, diz Deepak Talwar, são o culminar de esforços de muitos anos, por aqueles que foram varridos por seu trabalho e se destacaram como galerista, curador ou colecionador, incluindo um passo decisivo por Kiran (Nadar) para apoiar uma exposição abrangente de Nasreen em 2013, diz o proprietário de 50 anos da Galeria Talwar. A Talwar Gallery tem sido uma parte importante dessa pesquisa, junto com a Milton Keynes Gallery, o Kiran Nadar Museum of Art e a Tate Liverpool.

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O interesse, porém, diz Nilima, sempre esteve presente. Ela era uma artista artística. A comunidade artística adorava ela e seu trabalho. Mesmo entre os conhecedores internacionais, ela era muito amada. É claro que, naquela época, os artistas não eram tão bem comercializados como agora, diz ela. Karode, no entanto, lembra de ter lido apenas uma resenha da falecida artista enquanto ela estava viva. Todos sabiam que ela estava fazendo coisas únicas, mas ela não recebia a atenção que merecia quando estava viva, diz ela.

Na década de 1960, Mohamedi sabia que tinha a doença de Huntington. Um distúrbio neurodegenerativo que afeta a coordenação muscular e leva ao declínio mental e problemas comportamentais. Também é genético. Ela tinha visto seus irmãos mais novos morrerem da doença. Sabemos que o corpo de Nasreen estava perdendo suas funções motoras a partir da década de 1980, tornando-se gradativamente disfuncional. Houve no final um movimento estranhamente aberto dos membros que poderia evoluir para a dança de um fantoche voador, escreve Kapur. Nos últimos anos, ela usaria o desenhista de seu arquiteto para gerenciar movimentos involuntários e desenhar. Ela usava instrumentos de precisão para fazer desenhos geométricos abstratos. Vários de seus amigos a levavam ao hospital quando ela adoecia. Ela finalmente partiu para Mumbai em 1990. Pouco antes de partir, ela escreveu uma carta a todos os seus amigos. Foi como se ela tivesse uma premonição sobre sua morte, diz Bhatt.

Mohamedi faleceu em 14 de maio de 1990 em sua vila de Kihim, Mumbai. Seu túmulo é um monte de terra sem adornos perto do mar.