Alegria e raiva em equilíbrio: A arte de Lorraine O’Grady

O’Grady nasceu em Boston, a segunda filha de imigrantes jamaicanos. Ela cresceu em Roxbury, um bairro de recém-chegados negros, irlandeses e judeus, localizado a poucos quarteirões da filial principal da cidade da Biblioteca Pública de Boston e do Museu de Belas Artes

exposição de arte, ogradyUma foto fornecida pelo Brooklyn Museum; Jonathan Dorado mostra vista da instalação, Lorraine O'Grady: Both / And, com um vídeo de seu cabelo mestiço, entre paisagens de Frederic Church e Thomas Cole, quinto andar, Brooklyn Museum em Nova York. Uma pesquisa no museu irradia grande indignação ao mesmo tempo que encontra beleza e força em uma variedade de identidades. (Museu do Brooklyn; Jonathan Dorado via The New York Times)

Escrito por Holland Cotter

Na década de 1960, alguns de nós estávamos usando drogas, misturando gêneros e experimentando religiões globais para nos livrarmos do que víamos como um pensamento binário de estilo ocidental, uma visão do mundo baseada em opostos estritamente mantidos de bom-mau, certo-errado : branco contra negro, hetero contra gay, nós contra eles. Cinco décadas depois, esse pensamento ainda domina uma nação vermelha e azul, o que torna a retrospectiva da carreira de Lorraine O’Grady no Museu do Brooklyn um importante evento corretivo.



A artista sinaliza sua própria resistência a um ou outro no próprio título de seu show: Lorraine O’Grady: Ambos / E. Como, ao longo de uma longa carreira - ela está agora com 86 anos -, ela consistentemente moldou sua arte em um modelo diferente, um de pares equilibrados de ida e volta: pessoal e político; casa e o mundo; raiva e alegria; ideias sólidas como rocha e um leve toque formal.



Embora os organizadores da mostra - Catherine Morris, uma curadora sênior do museu; escritor Aruna D’Souza; e Jenée-Daria Strand, uma assistente de curadoria - trançaram sua arte em várias galerias em quatro andares, não estamos em um país de sucesso aqui. A maior parte desta pesquisa provavelmente poderia ser espremida em algumas malas de mão. A maioria de seus principais trabalhos foram performances únicas que sobrevivem agora como fotografias e notas manuscritas.

A escrita é um elemento importante em seu trabalho. Seu primeiro projeto, datado de 1977 e marcando sua estreia como artista visual, é um conjunto de poemas-colagem compostos por frases recortadas de edições do The New York Times. A presença deles, junto com casos de material de arquivo - cartas amareladas, listas, gráficos, declarações - torna o programa uma experiência de desaceleração, uma refeição rica em fibras após um ano de pandemia que favorece os colírios online.



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E sua arte é o produto de uma história pessoal texturizada, com poucas linhas diretas. O’Grady nasceu em Boston, a segunda filha de imigrantes jamaicanos. Ela cresceu em Roxbury, um bairro de recém-chegados negros, irlandeses e judeus, localizado a poucos quarteirões da filial principal da cidade da Biblioteca Pública de Boston e do Museu de Belas Artes. Quando criança, O’Grady passou muito tempo em ambos, com seu interesse inicial voltado para a literatura.

exposição de arte, ogradyUma foto fornecida por Garrett Bradley e The Museum of Modern Art; Robert Gerhardt mostra uma cena de Lime Kiln Club Field Day, um filme inédito de 1914 que foi extraído de Garrett Bradley’s America, sua vídeo-instalação em quatro telas no Museu de Arte Moderna de Nova York. A elaborada videoinstalação de Bradley, que repassa momentos calmos e marcantes da vida negra do início do século 20, está no MoMA. (Garrett Bradley e o Museu de Arte Moderna; Robert Gerhardt via The New York Times).

Depois de se formar na faculdade, onde se formou em economia e línguas, ela embarcou em uma carreira centrada na escrita episódica. Ela trabalhou como pesquisadora e tradutora para o Departamento do Trabalho em Washington, depois se mudou para a Europa para começar um romance. No início dos anos 1970, ela estava em Nova York contribuindo com críticas de rock para o The Village Voice e ensinando cursos sobre Dada e escrita surrealista na School of Visual Arts. A sua era uma vida distinta, à qual, em 1977, ela acrescentou a arte.

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Isso começou quase acidentalmente. Depois de um procedimento médico naquele ano, ela agradeceu ao médico com um presente de dia dos namorados feito em casa: uma colagem de várias páginas com frases que ela recortou do New York Times de domingo. Então, para si mesma, nos seis meses seguintes, ela ganhou duas dúzias. Três dos originais estão no Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista, no quarto andar, onde a maior parte da mostra está instalada. Nesse contexto, parecem emblemáticos de uma vida que foi, até então, uma colagem de interesses e influências.



O próximo passo lógico foi se apresentar ao cenário profissional. O que ela encontrou foram níveis de segregação de fato. O mundo da arte predominantemente branco não tinha tempo para ela como uma autodenominada afro-americana caribenha. O pequeno e estreito mundo da arte negra, em sua maioria masculina, tinha pouco espaço para ela como mulher. O movimento artístico feminista de classe média branca permitiu a entrada, mas a manteve à distância.

Caracteristicamente, sua resposta foi atacar em vez de recuar, e ela o fez por meio da arte: performances de estilo guerrilheiro na persona de Mlle Bourgeoise Noire (Senhorita Negra de Classe Média), uma rainha da beleza envelhecida, mas agressiva e tagarela, que vestia um vestido costurado com luvas brancas formais e aparecido, sem ser convidado, em eventos públicos de arte.

Com esse disfarce, em 1980, ela estourou uma inauguração na Just Above Midtown, uma galeria de Manhattan com uma lista totalmente negra, gritando que a arte negra deve correr mais riscos! Ela seguiu com uma aparição na abertura de uma mostra totalmente branca de arte performática no New Museum, onde desafiou a reivindicação da instituição de ser um espaço alternativo e declarou que uma invasão era iminente.



O vestido de luva branca de Mlle Bourgeoise Noire está no show do Brooklyn, assim como uma série de fotos que documentam sua aparição no New Museum. Irradiando grande indignação e humor astuto, esses gestos agora clássicos da feminista negra de reivindicar o espaço parecem anos à frente de seu tempo, assim como uma segunda grande performance alguns anos depois.

Em 1983, depois de ser informada por uma colega do movimento feminista que a arte de vanguarda não tem nada a ver com os negros, O’Grady decidiu demonstrar o contrário participando do Desfile do Dia Afro-Americano no Harlem. Para uma peça performática intitulada Art Is ... ela contratou um carro alegórico e artistas para andar nele, cada um carregando uma moldura dourada vazia. Enquanto o carro alegórico subia o Boulevard Adam Clayton Powell Jr., os performers desciam para a rua e convidavam os espectadores a posar para fotos dentro das molduras, para serem transformados em arte. A peça foi um sucesso. As pessoas que tiveram seus retratos feitos eram - você pode ver nas fotos - exuberantes. (E ainda é um sucesso: inspirou um vídeo produzido pela campanha Biden-Harris de 2020.)

O'Grady também estava no carro alegórico, sorrindo, observando essa obra de arte conceitual muito pública se desdobrar. Minha performance favorita, porém, data de um ano antes e era mais privada. Intitulado Rivers, First Draft ou The Woman in Red, é uma espécie de Peregrino semiautobiográfico. Encenada em um dia de verão, em um canto remoto do Central Park, a peça reencena simbolicamente cenas da vida do artista. Um ator todo vestido de branco interpreta sua mãe indiferente e impecável; outra interpreta O'Grady como uma criança sonhadora e estudiosa. E a artista, vestida de vermelho-paixão, representa uma versão de sua mudança adulta. Traumas são encenados - perdas românticas, confrontos políticos, até um estupro - mas a narrativa, compassada como uma peça de mistério medieval e capturada em 48 fotografias coloridas, termina com uma caminhada ritualística por águas curativas e o que parece ser um estado de paz.



Família é o assunto recorrente desse artista. E Miscegenated Family Album (1980/1994), talvez seu trabalho mais familiar, é composto de imagens emparelhadas de dois deles: a rainha Nefertiti e seus filhos retratados em esculturas da 18ª dinastia e a irmã mais velha de O'Grady, Devonia, que morreu em 1962, deixando os filhos para trás, como se vê nas fotos de família.

aranha com pernas listradas de marrom e bege

Em exibição nas galerias de Arte do Egito Antigo no terceiro andar do museu, a peça é uma meditação sobre as conexões humanas - irmandade, maternidade, envelhecimento - ao longo do tempo. Mas também é sobre uma história eterna de racismo: historiadores ocidentais tradicionalmente consideravam a cultura egípcia antiga como muito clássica / branca para ser africana e muito africana / negra para ser europeia. O’Grady e sua família birracial Jamaican-Boston são designados a um limbo semelhante, deixados flutuando entre identidades - africana, americana, afro-americana, caribenha - sem estarem ancorados em ninguém em um mundo ou / ou.

O fato de participarem de todas essas identidades, e de essa ser a fonte de sua beleza e força, parece ser a mensagem do único vídeo do programa, Paisagem (Oeste / Hemisfério), feito em 2010/2011. Instalado nas galerias Arts of the Americas no quinto andar e situado entre as grandes pinturas panorâmicas do Novo Mundo de Frederic Church e Thomas Cole, o vídeo parece à primeira vista uma imagem contínua de folhagem densa e farfalhante. Na verdade, é um close-up do cabelo mestiço de O'Grady, para usar a descrição de D'Souza no catálogo. Com seus tons e cores escuras e claras e suas texturas curvas e retas, é um exemplo corporificado de ambos / e.

Além de co-curador da retrospectiva, D’Souza é editor de Lorraine O’Grady: Writing in Space, 1973-2019, um livro com os escritos do artista publicado pela Duke University no ano passado. É uma leitura envolvente de capa a capa, nenhuma surpresa, considerando as raízes do artista na literatura. E as datas de seu conteúdo e as das obras em Brooklyn praticamente coincidem, com exceção da peça mais recente da mostra.

Intitulado Anúncio de uma Nova Persona (Performances por Vir!), E datado de 2020, é uma série fotográfica que mostra a própria artista disfarçada de um cavaleiro errante inteiramente - na verdade, invisivelmente - envolto em uma armadura de estilo medieval no terceiro piso. A armadura indica prontidão para a batalha ou retirada autoprotetora? Você vê e pensa em conquistador (mau), até avistar uma palmeira em miniatura (boa) brotando do capacete, sugerindo sua herança caribenha / jamaicana. Significados precisos, como as performances prometidas, ainda não foram revelados. Mas é claro que algo tanto / quanto está para cima, concebido com a acuidade moral, sagacidade e galanteria humana que sempre marcaram o padrão que este artista carrega para o campo.